Tacet

Concerto

2009-10-21T06:00:00.002-07:00

Período Classico

2009-02-17T06:36:00.001-08:00

A serviço da alta nobreza, o músico não passava de um criado que, depois de fornecer música para fundo de jantares e conversas, ia jantar na cozinha com os demais empregados da casa. Para agradar seus patrões, precisava seguir as tradições musicais. Em sua obra respeitava e refletia as emoções da corte. A imaginação criadora não seria bem vinda se representasse a quebra das estruturas tradicionais. Haydn aceitou esse trato e cumpriu suas obrigações. Mozart não aceitou estes limites e pagou um preço alto pela obstinação em se manter fiel à seus princípios. As cortes o relegaram ao esquecimento e o deixaram morrer como um mendigo. Beethoven foi o primeiro a decidir que não devia obrigações a ninguém e exigiu ser respeitado como artista. Nascia, com Beethoven, o pensamento romântico.

Música instrumental

A Música Clássica mostra-se refinada e elegante e tende a ser mais leve, menos complicada que a barroca. Os compositores procuram realçar a beleza e a graça das melodias. A Orquestra está em desenvolvimento. Os compositores deixaram de usar o cravo e acrescentaram mais instrumentos de sopro.
Durante o Período Clássico, a música instrumental passou a ter maior importância que a vocal. Nesta época criou-se a Sonata. É uma obra com vários movimentos para um ou mais instrumentos.

A Sinfonia é, na realidade, uma sonata para orquestra. Seu número de movimentos passam a ser quatro: rápido - lento - Minueto - muito rápido. Haydn, Mozart e Beethoven foram os maiores compositores de sinfonias do Classicismo.

O Concerto consiste em uma composição para um instrumento solista contra a massa orquestral. Tem três movimentos: rápido - lento - rápido.

Muitas obras foram escritas para o pianoforte, em geral chamado piano para abreviar. Bartolomeu Cristfori, construtor de cravos italiano, por volta de 1700 já havia concluído a fabricação de pelo menos um destes instrumentos. Enquanto as cordas do cravo são tangidas por bicos de penas, o piano tem suas cordas percutidas por martelos, cuja dinâmica pode ser variada de acordo com a pressão dos dedos do executante. Isso daria ao piano grande poder de expressão e abriria uma série de possibilidades novas.

No começo o piano custou para se tornar popular porque os primeiros modelos eram muito precários. Mas, no final do século XVIII o cravo já havia caído em desuso, substituído pelo piano.

Principais compositores Clássicos

P. E. Bach 1714 - 1788
Gluck 1714 - 1787
Hayden 1732 - 1809
W. A. Mozart 1756 - 1791
Van Beethoven 1770 - 1827
Joaquim A. de Mesquita -1746/1805
Padre José Maurício N. Garcia1767/1830
Antonio Soler Ramos - 1729/1783
Muzio Clemente- 1729/1783

2009-02-06T14:16:00.001-08:00

O Cha-Cha-Cha é uma derivação do Mambo, criada pelo violinista Enrique Jorrín, que tornou-se popular na década de cinquenta. Inspirado no som dos pés dos dançarinos ao arrastá-los pelo chão, este estilo acabou tornando-se independente, com características próprias de música e dança. O cha - cha - cha (em espanhol cha - cha - chá) é uma dança latino - americana. Na dança, é cada vez mais popular ser chamada de cha-cha.
O professor Pierre proveniente do Reino Unido, um dos fundadores da Faculdade Latino - Americana da ISTD, visitou Cuba em 1952, para descobrir o mambo (alguns dizem, rumba) dançaram com o triplo passo no lugar do lento um. Ele trouxe esta ideia da Europa e finalmente criado o que é agora conhecido como baile Cha - cha - cha. Existem três tipos de Cha - cha - cha, diferem pelo lugar da chachacha chasse com relação à barra musicais. Ballroom Cha - cha e rua Cha - cha - cha em Cuba contar "dois - três - chachacha". País / ocidental Cha - cha - cha e latino rua Cha - cha - cha em muitos outros lugares do que Cuba contar "um - dois - chachacha" ou "chachacha - três - quatro".
Guajira, um produto da tripla Mambo através Danzon anterior todos os "sociais" versões. O ritmo Guajira, ainda é usado como base para a maioria dos cubanos e Puertoricans que são da fé, que as outras versões foram "anglicismo", de forma a atender as Mercado americano. Como é habitual com as mais autênticas formas de dança, uma parte muito limitada variedade de etapas, é utilizado. Tt ainda pode ser visto em muitos dançaram South Florida clubes nocturnos. [Citação necessários]
Cha Cha é ou dançaram a música latino - fé, ou mais contemporânea Latin Pop Rock ou Latina. A música de baile Cha - cha - cha é enérgico e com uma batida constante. O "latino" cha - cha - cha é mais lento, mais sensual e podem envolver ritmos complexos. "Cowboy" Cha - Cha - Cha dançaram é basicamente a qualquer "quatro para a palavra" música; Além disso, existe uma série de C / W novidade danças com os nomes que incluem "cha - cha - cha".
Footwork: Passos em todas as direções devem ser tomadas primeira com a bola de pé em contacto com o chão, e, em seguida, com o calcanhar diminuindo quando o peso é totalmente transferido. Quando peso é liberada a partir de um pé, o calcanhar deve liberar primeiro, permitindo que os dedos do pé para manter contato com o chão.
Hip movimento: Em Ritmo estilo americano, latino - Hip movimento é conseguido através do suplente flexão e endireitamento acção dos joelhos. In International Latin estilo, a perna deve ser ponderada reta. A perna livre irá dobrar, permitindo que os quadris para resolver naturalmente na direcção da perna ponderada. Como um passo é tida, uma enciclopédia perna vai endireitar o instante antes que ele recebe peso. Ele deve então ficar reto até que seja completamente livre de peso novamente.

Henry Purcell

2008-11-21T07:07:00.000-08:00

VIDA

Henry Purcell é possivelmente o compositor nativamente inglês mais significativo do período barroco. Nasceu a 10 de Setembro de 1659. O pai de Purcell era também músico (na corte de Charles II). Orfão muito cedo foi educado pelo tio. Começa por cantar no coro mas cedo os seus dotes de compositor e organista revelam-se. Durante muito tempo compoe apenas música sacra para em 1689 compor aquela que se julga ser a primeira opera inglesa que aliás nunca foi exibida ao público durante a vida do compositor. Henry Purcell morreu muito novo (com apenas 36 anos) mas compôs suficiente para ser considerado um dos maiores compositores ingleses de todos os tempos.

OBRA

Purcell compôs uma única ópera Dido & Aeneas baseada no poema Eneida.

Antonio Vivaldi

2008-11-06T11:11:00.001-08:00

VIDA

Nascido em Veneza a 4 de Março de 1678.Filho de um violinista (e barbeiro também, pasme-se) que lhe ensinou a tocar e que lhe apresentou Giovanni Legrenzi o maestro da Capela de São Marcos.Foi ordenado Padre em 1704 embora nunca dissesse missa (conta a lenda que para isso inventou uma incapacidade física). Durante a maior parte da sua vida trabalhou no Ospedale della Pietà uma instituição para jovens (mulheres) sem pais ou simplesmente abandonadas pela sociedade. Foi para estas jovens que escreveu uma grande parte dos seus concertos e uma das razões principais pelas quais muitas das suas peças são efectivamente excelentes elementos de estudo.Morreu em Viena a 28 de Julho de 1741.

A OBRA

Sendo sem dúvida mais conhecido pelas Quatro Estações de que pode ouvir aqui o primeiro andamento da Primavera (para uma descrição mais detalhada das quatro estações pode começar aqui e oiça pela ordem os 12 andamentos dos 4 concertos tocados por músicos e interpretações muito diversas), Vivaldi deixou uma extensa obra de mais de 400 concertos.O conjunto de doze concertos intitulados "L´Estro Armonico" foram a obra que tornou Vivaldi conhecido no seu tempo (aliás deste conjunto de obras muitas iriam mais tarde ser transcritas por Johann Sebastian Bach - das dez transcrições que Bach fez de concertos de Vivaldi seis foram deste conjunto) . Pode ouvir aqui um dos andamentos destes concertos.Sem duvida uma das vertentes menos conhecida da sua obra será a música sacra cantada. Poderá aqui ouvir Cecilia Bartoli e a Orquestra de Epoca "Il Giardino Armonico" a interpretarem Domine Deus (Gloria).Vivaldi compôs também um sem número de óperas (os estudos divergem quanto ao seu número exacto. Na wikipédia diz-se que foram 46, outros autores falam em 19 obras completas). De todas a mais representativa será Orlando Furioso de que pode ouvir uma área aqui.

Clube da Música - DJ

2008-10-07T06:48:00.000-07:00

Antes de falar sobre o que você precisa para se tornar DJ, vou falar um pouco sobre o paradigma da tecnologia e qual a real função que você como DJ irá exercer, somente depois disso é que irei falar o que é preciso para se trabalhar como DJ.Os equipamentos profissionais para DJs vem evoluindo rapidamente, mudando a forma de mixar e influenciando na música diretamente. O toca-discos(vinil) apresenta diversas formas para os DJs incrementarem, darem um toque pessoal a música através de efeitos como back to back, scratch, speed back. Com a evolução tecnológica, chegaram os CDs profissionais que não tinham os recursos acima, porém, as indústrias e DJs criativos criaram novos efeitos e sons usando o que tinham em mãos. A cada dia, surgem Players e Mixers com novos recursos e efeitos, inclusive, simulando e facilitando alguns, possíveis até então somente em toca-discos.Com a extraordinária velocidade do avanço da tecnologia, intensificaram-se também o lançamento de computadores dedicados para manipulação ou criação de áudio e efeitos conhecidos como groove box, sintetizadores, samplers entre outros equipamentos profissionais para DJs e produtores.Quanto aos computadores convencionais que já estão na música há mais de duas décadas e iniciaram sua "carreira" com softwares (programas) conhecido como sequenciadores, hoje são capazes de substituir quase todos os equipamento de um estúdio de DJ.Com a popularização dos formatos de compactação de áudio digital, como o MP3 e WMA estão surgindo programas que fazem o mesmo que os CD Players profissionais para DJs e até CD Players capazes de reproduzir estes formatos contendo os recursos e efeitos tradicionais, fundamentais e outras novidades proporcionadas pelas novas tecnologias. Com isso o audio digital vem colocando o computador mais próximo dos DJs.A corrida tecnológica estará sempre inovando tudo ao nosso redor, influenciando na forma de viver e obviamente de fazer música. Não adianta sermos conservadores ou tradicionalistas pois a qualquer momento seremos atropelados por alguma novidade tecnológica. Como nada é perfeito, sempre haverão prós e contras, diferenças entre o velho e o novo. Um pouco de bom senso ajudará na adaptação tecnológica. E além do mais, cabe a cada um escolher o que mais se encaixa as suas necessidades.Os fabricantes estão desenvolvendo equipamentos e softwares cada vez mais sofisticados e poderosos para os consumidores mais exigentes. De olho nos amadores ou menos exigentes, as empresas despejam no mercado uma imensa variedade de modelos mais econômicos e menos sofisticados. Para ser um bom profissional não é necessário ter equipamentos top de linha, com vários efeitos e recursos ou marca. Uma boa marca facilita, mas o que importa mesmo é o seu conhecimento, principalmente o musical, habilidade e criatividade.
Funções do DJ Atual
Na atualidade, o DJ assumiu muitas tarefas que antes eram exercidas por profissionais diferentes, isso graças a incorporação a informática a habilidate e conhecimento de técnicas de mixagem realizadas pelos DJ's. Um apanhado das funções que podem ser exercídas segue abaixo:- DJ Comercial: É a figura mais importante de uma festa social em casas e bailes, é um profissional multitarefa, pois além de montar parte de seu equipamento ele irá exercer a função de locutor e animador. Este é o profissional que é mais exigido e também o mais comum pois se popularizou com o aparecimento de softwares para DJ. Atualmente ele precisa de um bom computador com um arsenal de musicas MP3 dos mais diversos gostos, amplificadores e caixas de som, ah, claro também precisa de um software de mixagem digital como o Virtual DJ.- DJ Balada: É o DJ propriamente dito, é a figura que tem que estar presente em TODAS as casas noturnas e shows, ele pode se apresentar como artista, e cria seu próprio set e seu ambiente. Este profissional é o que precisa dos aparelhos mais caros por assim dizer, geralmente um bom mixer, uma camara de efeitos ou simplesmente como dizem um multiefeito, um par de CDJ (o cd player com recursos para DJ) um microfone de uso geral e dependendo do caso um par de PickUp que é o player para os discos de vinil. Geralmente pelo tipo de material que ele usa e o ambiente onde toca, se preocupa muito mais com seu SET DE MUSICAS que com os aparelhos, geralmente não precisa se preocupar com a parte de amplificação e caixas de som ou coisas do genero.- DJ ou Produtor: É o profissional que geralmente trabalha com jingles e produções voltadas a comercial, ele usa a música como ferramenta de trabalho e produz trilhas sonoras, jingles e outros. Atualmente ele precisa de uma boa mesa de som, um computador com placa de som de alta definição, processador de efeitos de voz, camara de eco, equalizadores V, microfones para voz, caixas de referencia para saída de audio, softwares de produção como Cake ou Sonar e também um software para DJ como o Virtual Dj.- DJ Programador: É uma função nova, muito difundida com o aumento de rádios e programação web de músicas, ele precisa de um bom software de mídia como o Windows Media ou o Real onde ele irá simplesmente criar um set de músicas que será usado como fundo musical de um site web ou mais off-line que isso, irá gravar set de cd's para serem usados em lojas como supermercados, roupas e outras, evitando que uma rádio comecial fique sintonizada. Precisa de um bom gravador de cd's, equipamentos de masterização e gravação de voz para locuções de propagandas ou dependendo do caso, para gravação de mensagens.
Esses são alguns dos exemplos de funções que podem ser exercídos pelo DJ que requerem recursos de equipamentos muito diferentes, depois de se sintonizar o que você realmente vai realizar como um DJ deverá se aprofundar naquela linhagem de equipamentos e dai sim verificar diferenças entre marcas e tipos de aparelho.
Na proxima aula sobre os equipamentos para DJ vou explicar cada um dos equipamentos aqui citados e os principais recursos que devem ser observados para se poder escolher o que deve ou não ser levado em consideração e qual o peso que isso vai ter em relação ao custo total do equipamento.

O Tango II

2008-09-29T16:35:00.000-07:00

Origem da música
A música do tango não tem uma origem muito clara. De acordo com estudos que não dispõem de numerosa documentação, o tango descenderia da habanera e se interpretava nos prostíbulos de Buenos Aires e Montevidéu, nas duas últimas décadas do século XIX, com violino, flauta e guitarra (violão). O escritor e polemista argentino Jorge Luis Borges afirmou que por suas características o tango só poderia ter nascido em Montevidéu ou Buenos Aires. O bandoneón, que atualmente caracteriza o tango, chegou à região do Rio da Prata por volta do ano 1900, nas maletas de imigrantes alemães. Não existem muitas partituras da época, pois os músicos de tango não sabiam escrever a música e provavelmente interpretavam sobre a base de melodias já existentes, tanto de habaneras como de polcas.

Época de ouro
O tango argentino,ou rio-platense,começou a ultrapassar fronteiras já no início do século XX,quando marinheiros franceses levaram ao seu país natal o tango do uruguaio Enrique Saborido La morocha,isso por volta de 1907;Aliás Paris se apaixonou pelo tango ,uma dança exótica e sensual para os parisienses,que levou muitos artistas argentinos e uruguaios viajassem e até se radicassem na capital francesa. Os pesquisadores do gênero identificam duas fases de ouro do tango,a primeira nos anos 20,quando várias figuras do ambiente artístico de Buenos Aires e Montevidéu,inclusive muitos literatos como José Gonzalez Castillo e Fernán Silva Valdez canalizassem seus esforços no fomento da musica popular rio-platense,e em especial do tango.Nos anos 20,cantores como Carlos Gardel,Ignacio Corsini e Agustín Magaldi, e cantoras como Rosita Quiroga e Azucena Maizani,venderam muitos discos na florescente indústria discográfica argentina e difundiram o tango para fora da Argentina. Os anos 40 marcam a segunda época de ouro do tango,quando novos valores do tango como Aníbal Troilo,Astor Piazzolla,Armando Pontier se juntam a nomes consagrados como Francisco Canaro e Carlos di Sarli,isso sem contar o fenômeno de popularidade que foi a típica de Juan D'Arienzo.
Existiu também o tango brasileiro muito em voga no início do século vinte no Rio de Janeiro. Muitos dizem que ele nada mais era que uma denominação do maxixe, devido ao fato de este ter sido proibido.Daí editarem as canções com o gênero descrito por "tango brasileiro".Outros contestam essa história dizendo que há diferença entre o tango brasileiro e o maxixe e esta se daria pala presença de uma pausa na primeira semicolcheia do primeiro tempo, que o tango não possuiria.

Estilo do tango
Há diferentes tendências em seu estilo. O tango-canção, tango canyengue, o tango milonga, tango romanzae o tango jazz. Hoje em dia é possível até encontrar estilos como tango rock e eletrotango, ou tango eletrônico. O eletrotango pode ser conferido nos trabalhos dos grupos Bajofondo Tango Club e Gotan Project.

Alguns compositores tradicionais do tango:
Alfredo Le Pera
Ángel Villoldo
Aníbal Troilo
Ástor Piazzolla

O Tango

2008-09-29T16:32:00.000-07:00

O tango é um estilo musical e uma dança a par. Tem forma musical binária e compasso de dois por quatro. A coreografia é complexa e as habilidades dos bailarinos são celebradas pelos aficionados. Segundo Discépolo, "o tango é um pensamento triste que se pode dançar". Sua origem encontra-se na área do Rio da Prata, na América do Sul, nas cidade de Buenos Aires e Montevidéu.

9º sinfonia de Beethoven

2008-09-27T03:45:00.000-07:00

A sinfonia nº 9 em ré menor, op. 125, "Coral", é a última sinfonia completa composta por Ludwig van Beethoven. Completada em 1824, a sinfonia coral mais conhecida como Nona Sinfonia é uma das obras mais conhecidas do repertório ocidental, considerada tanto ícone quanto predecessora da música romântica, e uma das grandes obras-primas de Beethoven.
A nona sinfonia de Beethoven incorpora parte do poema An die Freude ("À Alegria"), uma ode escrita por Friedrich Schiller, com o texto cantado por solistas e um coro em seu último movimento. Foi o primeiro exemplo de um compositor importante que tenha se utilizado da voz humana com o mesmo destaque que os intrumentos, numa sinfonia, criando assim uma obra de grande alcance, que deu o tom para a forma sinfônica que viria a ser adotada pelos compositores românticos.
A sinfonia nº 9 tem um papel cultural de extema relevância no mundo atual. Em especial, a música do último movimento, chamado informalmente de "Ode à Alegria", foi rearranjada por Herbert von Karajan para se tornar o hino da União Européia. Outra prova de sua importância na cultura atual foi o valor de 3,3 milhões de dólares atingido pela venda de um dos seus manuscritos originais, feita em 2003 pela Sotheby's, de Londres. Segundo o chefe do departamento de manuscritos da Sotheby's à época, Stephen Roe, a sinfonia "é um dos maiores feitos do homem, ao lado do Hamlet e do Rei Lear de Shakespeare".
Foi apresentada pela primeira vez em 7 de maio de 1824, no Kärntnertortheater, em Viena, na Áustria. O regente foi Michael Umlauf, diretor musical do teatro, e Beethoven - dissuadido da regência pelo estágio avançado de sua surdez - teve direito a um lugar especial no palco, junto ao maestro.

Sinfonia - Definição

2008-09-27T03:42:00.000-07:00

Sinfonia é uma palavra de origem italiana e tem conotações que vão além do seu significado mais divulgado e conhecido, consolidado a partir do classicismo e que se refere a uma peça para orquestra construída na forma sonata.

Pensamento do dia

2008-04-30T05:31:00.000-07:00

Tudo esta escrito na partitura, excepto o essencial.

Compositor Alemãorh: Gustav Mahler, vienna 1911

Sonata

2008-04-30T05:14:00.000-07:00

O terno sonata emprega-se hoje em duas acepções. Na primeira ela designa uma obra instrumental de câmara, quase sempre para dois executantes e compondo-se de vários "trechos" - andamentos (em geral três ou quatro) dispostos de maneira a fazerem contrastes, embora ligados entre si.
A segunda acepção refere-se a um esquema formal - FORMA SONATA - que consta de três secções: exposição, com a apresentação dos elementos temáticos (temas); desenvolvimento, em que se opera o trabalho mótivico sobre os vários elementos, ou alguns desses elementos, que aparecem na exposição; e reexposição, que, conforme a palavra indica, é uma recapitulação da primeira parte ou exposição e termina com uma pequena secção conclusiva ou Coda.

Música Moderna – século XX

2008-04-04T05:02:00.000-08:00

O século XX surgiu como a era das experiências, da procura de novas técnicas e de novos caminhos para a arte em geral.
Como o Romantismo explorou ao máximo as possibilidades tonais, o século XX trouxe para a música mudanças em relação à sonoridade, que resultaram da aplicação de novas técnicas de composição e de instrumentos com sons inovadores e tecnológicos. Neste contexto surgem assim os primeiros instrumentos electrónicos (guitarra eléctrica e sintetizador) ligados, numa primeira fase, à música Pop e Rock e, numa segunda, a outros géneros musicais.
Há uma maior tendência para valorizar as culturas extra-europeias, mas, é de referir, que este factor foi impulsionado pela evolução dos meios de comunicação. Outro facto importante, foi o aparecimento da gravação que abriu um novo mundo para a produção musical.
A procura de novas sonoridades fez com que alguns compositores explorassem sons de variados objectos e utensílios para os transformar em instrumentos musicais.
Também os instrumentos convencionais são transformados e devidamente preparados de forma a alargar as suas possibilidades tímbricas e sonoras, pois, é importante saber que o timbre é talvez o parâmetro da música mais valorizado deste período.
Houve então uma renovação na linguagem musical devido à procura de novos timbres, novas harmonias, novas melodias e novos ritmos assim como o aparecimento de novos métodos de composição musical.
Com a procura e o desenvolvimento de novos sons, a forma de composição musical foi progressivamente abandonando o uso das oito notas da escala. Com isto, deu-se a ausência da tonalidade definida, a que se chamou de atonalidade, e começaram a escrever-se obras a partir da utilização de uma série de 12 notas que consiste na técnica do dodecafonimo.

Romantismo (de 1810 a 1910)

2008-04-04T05:01:00.000-08:00

Este período caracteriza-se pela liberdade de expressão e de sentimentos. Também as alterações políticas e sociais provocadas pela revolução francesa de 1789 fazem surgir sentimentos nacionalistas (daqui o surgimento da música folclórica).
Assim, Paris junta-se a Viena e tornam-se os principais centros de música da Europa. Neste contexto os compositores do Romantismo procuravam suscitar, através da música, os seus sentimentos e afectos em relação à sociedade da época.
Surgem assim compositores como Schubert, Mendelsson, ou Chopin e instrumentistas como Liszt (no piano) e Paganini (no violino).
Os compositores também conseguem libertar-se da tutela dos nobres que os empregavam e passam a compor por conta própria.
Com a ascensão da burguesia os concertos públicos tornam-se mais frequentes e, como consequência disto, surgem grandes salas de espectáculos e concertos.
As melodias românticas são mais líricas e as harmonias mais contrastantes, dando assim um resultado sonoro com uma maior variedade de sonoridades, dinâmicas e timbres. Também as obras musicais tomam maiores proporções tanto a nível sonoro com a nível de duração. É importante referir também que, devido a uma melhor qualidade dos instrumentos e dos executantes, a orquestra atingiu grande qualidade sonora e quantidade de músicos.
Por outro lado, a literatura exerceu uma enorme influência sobre a música romântica, facto este que se comprova com o aparecimento do Lied e do poema sinfónico.
O Romantismo desenvolveu o virtuosismo na execução instrumental que atingiu elevados graus de dificuldade e técnica instrumental levando os músicos a tornarem-se figuras públicas de destaque.

Classicismo (1750/ 1810)

2008-04-04T04:59:00.000-08:00

No período clássico a música torna-se mais leve e menos complicada que no barroco. Agora a música revela uma extrema suavidade e beleza com grande equilíbrio e perfeição estética.
No classicismo é a melodia com acompanhamento de acordes que predomina. As frases melódicas são curtas, claras e bem definidas, sentindo-se o princípio, meio e fim de cada uma. Há também uma maior variação em relação à dinâmica das obras musicais, surge o sforzatto, o crescendo e diminuendo. A sonoridade resultante de todas estas características é bastante tonal.
O cravo cai em desuso para dar lugar ao piano que o irá substituir definitivamente. Também a orquestra toma maiores proporções ao mesmo tempo que diversifica os seus instrumentos.
Desenvolvem-se grandes géneros instrumentais como: a forma sonata, o quarteto de cordas, a sinfonia e o concerto.

Barroco (de 1600 a 1750)

2008-04-04T04:58:00.000-08:00

Barroco é o período em que a música instrumental atinge, pela primeira vez, a mesma importância que a música vocal.
A música do barroco é exuberante, de ritmo energético e frases melódicas longas muito bem organizadas. Neste contexto os compositores fazem uso de um contraponto com grandes contrastes tímbricos.
O violino é o instrumento que mais se afirmou devido á evolução da sua construção e logo da sua execução. Também os instrumentos de tecla sofrem grandes evoluções, nomeadamente o cravo que aparece como instrumento solista, e não apenas como acompanhante.
A orquestra também, por sua vez, toma maiores proporções e uma forma mais estruturada. Dá-se também um aperfeiçoamento técnico dos músicos, assim como um maior acesso à música por parte do público em geral.
A ópera e o ballet são formas musicais, orquestrais e vocais que surgem e se desenvolvem com grande autonomia.
A Suite que também é outro género deste período, é uma sucessão de diferentes peças musicais com andamentos de dança.
Entre os compositores mais famosos destaca-se: Johann Sebastian Bach.

Renascimento (de 1450 a 1600)

2008-04-04T04:57:00.000-08:00

O período renascentista é caracterizado pela mudança de pensamento do homem perante o mundo. Sabe-se desde logo que esta mudança vai também influenciar a arte. O homem do renascimento já não vive apenas dominado pelos valores da igreja, agora encontra valores nele próprio e na natureza. A igreja também se tornou menos rígida e permitiu uma troca maior entre a música sacra e a música profana.
É nesta altura também que os donos das cortes e homens ricos concedem oportunidades de trabalho aos compositores e aos músicos, promovendo festas, audições e acontecimentos culturais.
Neste período, as obras musicais que se desenvolvem são essencialmente vocais, ou melhor, a música vocal polifónica é a composição mais comum.
As formas vocais mais importantes deste período são: os madrigais, a missa, e o motete.
É também no renascimento que, apesar de se continuar a utilizar os instrumentos para duplicar, reforçar ou substituir as vozes, se começou a desenvolver uma música composta para ser tocada por instrumentos musicais, destacando-se o alaúde e as violas de gamba.

Idade Média

2008-04-04T04:53:00.000-08:00

Com a queda do Império Romano e a implantação do cristianismo, a igreja passa a ter um papel fundamental para o desenvolvimento e evolução da música, pois são os monges que, nos mosteiros e depois dos gregos, continuam a desenvolver a escrita e a teoria musical.
São os cânticos litúrgicos vocais e de transmissão oral que fazem parte do repertório mais usado na musica da Idade Média. Estes cantos litúrgicos variavam nas suas interpretações consoante a raça, a cultura, os ritos e os hábitos musicais dos diversos povos.
Sentindo necessidade de unificar e de fortalecer o cristianismo, São Gregório Magno, monge beneditino e eleito papa em 590, compilou e seleccionou uma série de cânticos litúrgicos com qualidade e dignos de culto. Foi neste sentido que reuniu alguns cânticos já existentes e outros de sua própria autoria numa colectânea que intitulou de Antifonário.
A esta forma de cantar deu-se o nome de Canto Gregoriano, que era basicamente uma forma de oração para demonstrar o amor a Deus. Este canto tinha uma melodia simples que seguia o ritmo das palavras.
Nesta época começa a haver uma grande separação entre a música religiosa e a música popular. Uma das grandes diferenças entre elas está nos instrumentos que são usados em ambas. Na igreja apenas o órgão era permitido, enquanto na música não religiosa ou chamada profana usavam-se: a rabeca, o saltério, o alaúde, a charamela, a flauta, a gaita-de-foles, a sanfona, a harpa, os pratos, os pandeiros, os tambores,
A língua usada nos cantos da igreja era o Latim, enquanto na música popular eram os dialectos próprios de cada região.
Os menestréis eram cantores, músicos e malabaristas que andavam de terra em terra juntamente com os saltimbancos.
Os trovadores eram nobres que compunham música e poesia tendo como tema preferido, para as suas composições, o amor.
A notação musical serviu no início apenas para auxiliar a memória de quem cantava, mas, ao longo dos tempos, tornou-se cada vez mais precisa. Numa fase inicial eram colocados pequenos símbolos chamados neumas.
Mais tarde e de forma progressiva foram introduzidas as linhas até se chegar ao conjunto das 4 que foram inventadas por Guido D’Arezzo, conhecido como sendo um grande teórico da música na Idade Média.
Mas, a partir do século XI, o uso da pauta tornou-se habitual.

J. S. Bach

2008-04-01T05:02:00.000-08:00

Nascido em Eisenach, 21 de Março de 1685 na Alemanha e ocasionalmente chamado em português de João Sebastião Bach, este organista e notável compositor alemão foi o maior e mais importante composito do período barroco. Mestre na arte da fuga, do contraponto e arte coral, ele é ainda hoje um dos mais importantes compositores da história da música ocidental.
Bach é considerado por muitos o maior compositor da história da música, ainda que pouco reconhecido na altura em que viveu. Muitas de suas obras reflectem uma grande profundidade intelectual, uma expressão emocional profunda e, sobretudo, um grande domínio técnico em grande parte responsável pelo fascínio que diversas gerações de músicos demonstraram pelo Pai Bach, especialmente depois de Felix Mendelssohn que foi um dos responsáveis pela divulgação da sua obra, até então bastante esquecida.

Bach nasceu na Turíngia no seio de uma família de músicos. A mãe morreu quando ele tinha nove anos de idade. Um ano depois morreu o pai Johann Ambrosius Bach, que era músico da cidade e havia lhe ensinado os rudimentos da música. Foi viver e estudar com o irmão, Johann Christoph Bach, dezesseis anos mais velho que ele, então organista de Ohrdruff. Ao lado do irmão, Bach aprendeu a tocar órgão e a compor. Christoph, no entanto, não era um grande entusiasta do talento do jovem Sebastian. O irmão mais novo certa vez pediu a Christoph que lhe deixasse estudar algumas partituras de Pachelbel, que fora padrinho e professor de Christoph, mas este recusou. Sebastian então passou a copiar, todas as noites, as partituras do irmão, enquanto este dormia, para que pudesse estudá-las mais tarde. De nada valeu esse esforço, já que Christoph, ao descobrir as cópias, destruiu-as. Especula-se também que o esforço realizado por Sebastian para copiar as partituras na escuridão tenha sido responsável pela cegueira que o atormentou no final da vida. Com 15 anos descobriu que era um talento inconfundível. Em 1703, aos dezoito anos, Bach ascendeu ao posto de organista em Arnstadt, graças ao precoce domínio do instrumento. Nessa época estudou com o famoso organista Dietrich Buxtehude, além de assistir a concertos de outro organista, Jan Adam Reinken. Quatro anos mais tarde foi para Mühlhausen, onde se casou com a prima Maria Bárbara Bach, que, assim como ele, era órfã. Ali escreveu também as primeiras cantatas. Só um ano depois, em 1708, foi nomeado organista da Corte, e em 1714 director de orquestra na corte do duque Wilhelm Ernst, em Weimar.
De 1717 a 1723, Bach foi mestre-capela (Kapellmeister) na corte de príncipe Leopold de Anhalt-Köthen. Em 1720 morreu a primeira esposa, e um ano mais tarde voltou a casar-se, desta vez com a cantora Anna Magdalena Wülcken. A partir de 1723 e até à sua morte, foi Director de Música (Kantor) na igreja de São Tomás em Leipzig. Chegou a ser convidado para a corte de Frederico II o Grande em Sans Souci. Morreu em 1750, depois de uma intervenção cirúrgica fracassada nos olhos. Bach foi ficando cego até perder totalmente a visão. Atualmente crê-se que a sua cegueira foi originada por diabetes não tratados.
Bach encabeçou uma família numerosa. Teve sete filhos no seu primeiro matrimónio e treze no segundo. Quatro dos seus filhos do seu segundo casamento transformaram-se em compositores respeitados. Entre eles se destacaram Wilhelm Friedemann Bach (1710-1784), que segundo o patriarca era o mais talentoso de seus filhos, Carl Philipp Emanuel Bach (1714-1788), de quem Mozart tinha uma opinião excelente, e que viria ser o Bach mais famoso de sua época, e Johann Christian Bach (1735-1782) que ficou famoso na Inglaterra. Entretanto, a confiança que Bach pôs em Wilhelm Friedemann teve tristes consequências depois do seu falecimento. Friedemann possuía uma personalidade evasiva, nunca se fixando nos empregos, e muitas vezes em dificuldades financeiras. Essas dificuldades levaram-no, muitas vezes, a vender várias partituras que pertenciam ao pai. Nesse processo perderam-se para sempre várias paixões compostas por Johann Sebastian (quem sabe agora fossem elas tão apreciadas como a Paixão segundo São Mateus e a Paixão segundo São João). Se não fosse sido o cuidado que teve Carl Philipp Emanuel Bach em conservar os manuscritos do pai, o mundo poderia ter sido privado de uma boa parte das obras primas de Bach.
Um aspecto impressionante da vida de Bach é que o compositor teve pouco reconhecimento em vida. Era tido por todos como um virtuoso do órgão, talvez o melhor de que se tinha notícia. Como compositor, porém, era considerado antiquado e sem criatividade. Outros compositores, como Haendel e Telemann, tiveram as obras muito mais apreciadas no período. Na época que se seguiu à morte, Bach caiu no esquecimento. O filho Carl Phillip Emanuel teve então grande destaque como um dos fundadores do classicismo.
Alguns compositores e músicos conheciam e apreciavam a obra de Johann Sebastian Bach. Haydn, Mozart e Beethoven encantaram-se com as obras a que tiveram acesso.

Antiguidade (até 400 d.C. )

2008-04-01T04:56:00.000-08:00

A música assumiu um papel central nas diversas actividades diárias das grandes civilizações da antiguidade, nomeadamente no Egipto, Grécia e Roma.

Egipto:
O Egipto , situado a nordeste de África, caracteriza-se essencialmente pelos seus monumentos como as pirâmides e as esfinges. No Egipto fazia-se música tanto no palácio do faraó como no trabalho do campo ou ainda no culto dos mortos. Eram normalmente as mulheres que tocavam.
A música tinha uma origem divina e estava muito ligada ao culto dos deuses
Instrumentos:
Os instrumentos usados eram essencialmente harpas, liras, flautas, alaúdes e instrumentos de percussão.

Grécia:
A Grécia aparece muito ligada à poesia e à escrita que, a par com a música, participavam como forma de expressão nos teatros. A civilização grega teve um papel fundamental para a evolução da história da música ocidental, sendo de destacar o seu contributo essencialmente em relação ao ritmo e à notação musical.
Sabe-se que em Atenas se realizavam anualmente concursos de canto e que as peças de teatro eram acompanhadas por música.
Os gregos já tinham noção do culto da música como arte e como ciência, pois a música era tão valorizada que fazia parte das quatro disciplinas essenciais para a educação dos jovens.
Foi também na Grécia Antiga que surgiu o órgão.
Instrumentos:
Os instrumentos usados por esta civilização são o aulos, a lira e os instrumentos de percussão.

Roma:
Toda a música do império romano foi influenciada pela dos gregos. Em Roma, as lutas dos gladiadores eram acompanhadas por trombetas. A música estava sempre presente nas casas dos homens e mulheres com muito dinheiro. Nas ruas davam-se pequenos espectáculos de malabarismo e de acrobacia que eram sempre acompanhados por flautas e pandeiretas.
Destaca-se nesta cultura a invenção do órgão hidráulico.
O órgão hidráulico é um tipo de órgão que funcionava a água.

Pré-história

2008-04-01T04:51:00.000-08:00

Sabe-se que o homem primitivo teve desde muito cedo necessidade de comunicar. Para isso usava, por exemplo, sinais sonoros como: gritos, sons corporais, batimentos com pedras ou com ramos de árvores, etc. No fundo, o homem pré-histórico tinha como principal objectivo o de imitar a natureza e não o de fazer música. Mas desde o momento que o homem começou a produzir sons com a intenção de fazer música, pode-se afirmar que se deu início ao longo percurso da história da música. Assim o homem começou a fazer uso da música nas suas cerimónias e rituais, como por exemplo, na evocação das forças da natureza, no culto dos mortos, no decorrer da caça,... Começou por usar apenas a voz e os diversos sons corporais, mais tarde, também introduziu gradualmente instrumentos que construiu para usar nas suas músicas e danças numa tentativa de agradar mais aos deuses. Depois de descobrir a beleza e a funcionalidade da música o homem nunca mais se separou dela.

Ficha de Trabalho -08 -01

2008-04-01T04:49:00.001-08:00

Grupo A

1) Quais as características gerais da música Jazz?

2) Indica o nome de três géneros musicais que se relacionam com a música Jazz?

3) Indique o nome de um grande intérprete do género musical referindo e o instrumento que o mesmo domina.

Grupo B

4) Quantos tipos de violas conhecem?
5.1 Indique os seus nomes?

5) Indique um instrumento característico de Coimbra e fale na sua especificidade?

6) Qual o género musical que esta ligado a cidade de Lisboa? Indique uma cantora ou cantor famoso(a) desse género musical.

7) Quais as danças características do Algarve?

Grupo C

8) Indique em que século surge o bailado?

9) Indique o nome de três danças estudadas na aula?

10) O Rap nasceu na Jamaica. Comenta esta afirmação.

Ficha de Trabalho -1

2008-04-01T04:43:00.001-08:00

Grupo A

1) Quais as características da Música Pop e Rock?

2) Indica o nome de um grupo ou cantor de música pop/rock internacional e um nacional. Descreve-os.

Grupo B

3) Indique as principais linhas orientadoras da música Africana.

4) Diga de que materiais são feitos os instrumentos africanos e porque?

5) Diga o nome de um instrumento tipicamente Africano e um Árabe.

6) A música Árabe é mais complexa que a música Ocidental. Comenta esta frase.

7) Quais as características gerais da música Chinesa?

8) Qual a diferença entre o Samba e a Bossa Nova?

Grupo C

9) Qual a sua definição de musica?

10) O que é para si o silêncio?

Medieval - 400-1450

2008-02-12T02:47:00.000-08:00

No primeiro século da nossa Era, ocorreu em Roma a simultaneidade de duas culturas e filosofias opostas: a civilização cristã, que nascia, e a antiga civilização romana, já em grande decadência espiritual. Com o aparecimento do Cristianismo, ainda no Império Romano, a música volta a desempenhar uma função respeitável (somente entre os adeptos da nova religião).
Por volta do ano 100 começa então a surgir uma nova música, na qual os primeiros cristãos exprimiam os seus sentimentos de fé, esperança e amor através desta arte.
Escondidos nas catacumbas por baixo da cidade de Roma, devido às perseguições, os cristãos criaram as suas próprias formas de prática religiosa e musical, entoando um tipo de oração: salmos cantados a uma só voz em latim (língua oficial da Igreja) e sem acompanhamento musical. Eram cantados numa das mais velhas formas musicais que conhecemos, «pergunta e resposta», em que uma frase cantada por um líder é repetida pelo grupo sem alterações ou apenas com alguma variação.
A Idade Média durou um milénio, desde a queda do Império Romano do Ocidente (476 até cerca de 1450). De 500 a 1000, período em que o Cristianismo se impôs ao paganismo em toda a Europa, a sociedade e o poder estavam nas mãos dos reis, que tinham o apoio da Igreja. Carlos Magno, o lendário Imperador dos Francos, monarca progressista, desenvolveu a educação e deixou atrás de si uma ideia de justiça social que iluminou o “obscurantismo” do mundo medieval dos primeiros séculos.
Foi em mosteiros que os monges e as freiras preservaram o conhecimento do mundo antigo e o transmitiram, através dos seus manuscritos, para o presente. Para os serviços da igreja necessitavam de música e, por isso, a arte da música era largamente religiosa ou sacra. De 1000 a 1450, os mosteiros românicos deram lugar à construção de grandes catedrais num estilo mais leve: o gótico. Fundaram-se Universidades em toda a Europa. As cidades tornaram-se centros de arte e cultura e surgiram os primeiros burgueses que tiveram um papel importante na vida social.
Apesar da sociedade feudal ser dominada por homens, a mulher era muito respeitada devido ao culto universal a Maria, Mãe de Cristo. Nas canções da Corte, os trovadores cantavam poemas onde a mulher era venerada. Os trovadores eram, normalmente, poetas músicos que apresentavam material original, ao contrário dos músicos de igreja que baseavam a sua arte em melodias do passado (nos cantos gregorianos). Os trovadores pertenciam à classe aristocrática, mas um artista, mesmo sem linhagem, podia ser bem aceite pelo seu talento.
A música profana fazia parte da corte medieval. Servia para dançar, para animar o jantar, para se ouvir. Era indispensável em cerimónias, civis e militares, e também para animar os Cruzados quando partiam para a Terra Santa ou de júbilo, quando regressavam das suas campanhas.
Os jograis pertenciam a outra classe de músicos. Eles recitavam, cantavam, tocavam, dançavam, faziam acrobacias e exibiam as habilidades de animais domesticados. Iam de terra em terra e, com as suas diversões, entretinham a nobreza e os ajuntamentos de pessoas nas praças públicas. Eram vistos como vagabundos e viviam à margem da sociedade, mas eram muito populares por trazerem as novidades e as notícias de outras terras.

Antiguidade

2008-02-07T10:56:00.000-08:00

do nascimento de Cristo até 400 D.C.
Nas grandes civilizações antigas (Egipto, Grécia, Roma) a música tinha um papel fundamental em todas as acções do dia-a-dia.
Os antigos Egípcios aprenderam, provavelmente, alguma coisa sobre a música da Mesopotâmia. A música fazia parte da vida diária dos Egípcios, assim como dos seus festivais, cortejos e apresentações dramáticas.
A música tinha origem divina e estava muito ligada ao culto dos deuses. Os instrumentos de corda, harpa e cítara eram fabricados com muita arte.
A escala Egípcia era diatónica, conforme se pode deduzir pelas flautas encontradas. A arte Egípcia atingiu outras civilizações antigas, como a Cretense, a Grega e a Romana.
Nos vestígios encontrados nas ruínas de algumas cidades gregas, pode concluir-se que a música era a glorificação da natureza e da vida.
Na Grécia (Atenas) todos os anos realizavam um concurso de canto e as peças de teatro eram acompanhadas por música. Os gregos cultivavam a música como arte e como ciência. Era uma das quatro disciplinas fundamentais da educação dos jovens. O órgão é uma invenção grega.
Já em Roma as lutas dos gladiadores eram acompanhadas por trombetas. Os ricos aprendiam música e realizavam concertos nas suas casas. Na rua, malabaristas e acrobatas representavam acompanhados por flautas e pandeiretas. Os conjuntos de músicos obtinham licenças especiais do Imperador para percorrerem as províncias do Império, dando o primeiro exemplo de Tournée.